In Memoriam       
    Nagisa Oshima
    Japanese film-maker best known for the sexually explicit In the Realm of the Senses and Merry Christmas, Mr Lawrence, starring David Bowie


    Nagisa Oshima

    Nagisa Oshima at the time of Gohatto, his highly stylised and oblique samurai film

    Nagisa Oshima at the time of Gohatto, his highly stylised and oblique samurai film. Photograph: Corbis

    In a sense, it is unfortunate that the Japanese director Nagisa Oshima, who has died aged 80, was more infamous than famous, due to one film, In the Realm of the Senses (also known as Ai No Corrida, 1976). Although it was, for many, in the realms of pornography, the film was a serious treatment of the link between the political and the sexual, eroticism and death (previously dealt with in Bernardo Bertolucci's Last Tango in Paris), and a breakthrough in the representation of explicit sex in mainstream art cinema. Like Bertolucci, Oshima was held and acquitted on an obscenity charge.

    Based on a true cause célèbre, In the Realm of the Senses tells of a married man and a geisha, who retreat from the militarist Japan of 1936 into a world of their own, where they obsessively act out their sexual fantasies. Finally, in the quest for the ultimate orgasm, she strangles and then castrates him. Oshima uses the formula of kabuki theatre and taps the rich erotic literary history of feudal Japan. Although In the Realm of the Senses was his biggest commercial success, it was not his best film, and his reputation declined over the following decades, during which he made only a few films.

    Nagisa Oshima's In the Realm of the Senses Nagisa Oshima's In the Realm of the Senses was a serious treatment of the link between the political and the sexual, eroticism and death. Photograph: Ronald Grant Archive

    Born in Kyoto, Oshima studied political history at Kyoto University, where he was a student leader involved in leftwing activities, prior to graduating in 1954. He then became a film critic and later editor-in-chief of the film magazine Eiga Hihyo, before learning his craft as an assistant director at the Shochiku Studios. Oshima started directing his first features at the time of the French New Wave and was particularly influenced by Jean-Luc Godard.

    His first three films were fairly undistinguished seishun eiga (youth films), which included a few experimental sequences. For example, in Naked Youth (1960) there is a long single-shot sequence in which the young hero slowly munches an apple. The neorealist Night and Fog in Japan (1960) – the title deliberately designed to echo Alain Resnais's documentary on Auschwitz – was a despairing indictment of the disunity of the Japanese left, and what Oshima saw as the betrayal of revolutionary action by the Japanese Communist party. The film, which contains only 43 shots, was withdrawn by the studio three days after its release, which pushed him to working as an independent and to found his own production company, Sozosha, with the actor Akiko Koyama, whom he married in 1960.

    The Catch (1961), Oshima's first independent movie, set the tone for much that was to follow in its concern about racism and brutality, whether institutionalised or personal. Filmed in long takes with minimum camera movement, it tells the savage story of an African-American PoW held hostage by a small village. While waiting for the military police to remove their "catch", the villagers make the man a scapegoat for all their own problems, eventually murdering him.

    Oshima's next important film was Violence at Noon (1966), a deliberately obscure study of a sex criminal. It is very rarely seen because of a legal dispute over the film's distribution abroad. In contrast to The Catch, it was made in CinemaScope and was frenetically cut (it contains 2,000 shots). The unusual Tales of the Ninja (1967) also featured rapid cutting and was made up entirely of panels from a violent and erotic manga comic book.

    Death by Hanging (1968), a startling, angry and blackly humorous film, told of an intelligent young Korean, who is being hanged for the rape and murder of two Japanese girls, but his body refuses to die. It begins like a documentary on the death penalty, becoming more and more unreal as the arguments are pursued in seven Brechtian chapters. The main subject that emerges is the shameful treatment by the Japanese of the Korean minority, a fact of crucial importance to the understanding of the film.

    Coming hot on the heels of the student revolt of 1968 was Diary of a Shinjuku Thief, an explosive agit-prop movie equating sexual liberation with revolution, whose impact has cooled only marginally. Using black and white with colour inserts and mixing realistic and theatrical acting and cinéma vérité techniques, it involves a young student who is caught shoplifting in a bookshop by a girl masquerading as an assistant, with whom he goes on to have a sexually unfulfilled affair. After seeking sexual advice, they finally find ecstasy as a street riot breaks out.

    Three Resurrected Drunkards (1968) literally restarts halfway through. This could cause some unknowing audience members to start to protest, thinking that the projectionist was accidentally replaying the opening reel. That dated oddity was followed by Boy (1969), one of Oshima's most accessible and "finished" films. Like most of his films, it was taken from a true story – in this case, that of a 10-year-old boy who is trained by his parents to be knocked down by cars so that they can demand money from the frightened drivers before moving on to the next town. It was told with remarkable social and psychological insight, and the performances, the colour and the CinemaScope screen are all handled in a masterly manner.

    The Ceremony (1971) was Oshima's most ambitious film to that date: no less than the history of Japan from the end of the second world war to the present day, represented by a large and influential family. Each stage is marked by a specific ceremony such as an anniversary, a wedding or a funeral, exposing Oshima's deeply ambivalent attitude to Japanese society. "Ceremonies are a time when the special characteristics of the Japanese spirit are revealed. It is this spirit that concerns and worries me," Oshima explained.

    Empire of Passion (1978), a less sexually explicit companion piece to In the Realm of the Senses, is a ghost story with an amour fou at its centre. In a village in 1895, an old rickshaw man is murdered by his wife and her young lover. Three years later, the old man's ghost appears, reawakening their guilt and leading to the exposure of their crime. Although the film won Oshima the best director award at Cannes, he seemed to have one keen eye on the audience's emotions and another on the box-office. The social conviction and complexity of his earlier films seemed to have evaporated.

    Oshima's only English-language film was Merry Christmas, Mr Lawrence (1983), based on a novel by Laurens van der Post set in a Japanese PoW camp. It attempted to explain that despite the wartime atrocities there were many soldiers with noble and gentle qualities. The main interest lay in the homoerotic relationship between a prisoner (David Bowie) and the commander of the camp (Ryuichi Sakamoto), though the two actors – both pop stars – give stilted performances.

    The shade of Luis Buñuel hangs over the French-made Max, Mon Amour (1986), about a British diplomat in Paris, who discovers that his bored wife (Charlotte Rampling) has rented an apartment where she can visit her lover Max, a chimpanzee. This reasonably witty black comedy had little success, and Oshima gave up directing to become a popular talkshow host on Japanese television. He tried for some years to set up Hollywood Zen, his script about Sessue Hayakawa, the Japanese actor who became a Hollywood star in the silent era. In 1999, he made a welcome return to form with Gohatto (Taboo), a highly stylised and oblique samurai film about homosexual passions aroused in the very restricted society for a beautiful young fencer. It was to be his last film, following which he suffered a series of strokes.

    He is survived by Koyama, who appeared in several of his films.

    • Nagisa Oshima, film director, born 31 March 1932; died 15 January 2013

     

    Ronald Bergan
    guardian.co.uk

     



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         In Memoriam       
    Nagisa Oshima
    Japanski režiser najbolje poznat po seksualno eksplicitnim In the realm of the senses i Merry Christmas Mr. Lawrence gdje glavnu ulogu glumi David Bowie


    U određenom smislu, šteta je što je japanski režiser Nagisa Oshima, koji je umro u 80-toj godini, bio više ozloglašen nego slavan, zahvaljujući jednom filmu, In the realm of the senses(takođe poznatim pod nazivom Ai no Corrida, 1976). Iako je, po mišljenju mnogih, u domenu pornografije, ovaj film ozbiljna studija veze koja postoji između politike i seksualnost, erotike i smrti (prethodno se bavio Bernando Bertoluccijevim filmom Last Tango in Paris). Ovaj film je takođe i proboj u predstavljanju eksplicitnih scena seksa u mejnstrim umjetničkim filmovima. Kao i Bertolucci, Oshima je priveden i okrivljen pod optužbama bludničenja.

    Baziran na pravom cause celebre, In the realm of the senses govori o oženjenom muškarcu i gejši, koji se povlače iz militarističkog Japana 1936-te godine, u svoj svijet, gdje obsesivno sprovode u djelo svoje seksualne fantazije. Na kraju, u potrazi za krajnjim orgazmom, ona ga zadavi i potom kastrira. Oshima koristi formulu kabuki pozorišta i koristi bogatu erotičnu literaturu feudalnog Japana. Iako je film In the realm of the senses bio njegov najveći komercijalni uspjeh, to nije ujedno bio i njegov najbolji film , a njegova reputacija je postepeno opadala tokom narednih nekoliko decenija, tokom kojih je napravio samo nekoliko filmova.

    Rođen u Kjotu, Oshima je studirao političku istoriju na Kyoto univerzitetu, gdje je takođe bio studentski lider uključen u ljevičarske aktivnosti, prije svog diplomiranja 1954-te godine. Postao je filmski kritičar,a kasnije i glavni urednik filmskog magazina Eiga Hihyo, prije nego što je savladao zanat pomoćnog režisera u Shochiku Studijima. Oshima je počeo režirati svoje prve scene u vrijeme Francuskog novog talasa,a posebno je bio pod uticajem Jean-Luc Godarda.

    Njegova prva tri filma se mogu klasifikovati kao seshun eiga (mladalački filmovi) koji su uključivali i nekoliko eksperimentalnih scena. Na primjer, u Goloj mladosti (1960) vidimo dugu scenu snimanu u jednom potezu u kojoj posmatramo mladog junaka dok jede jabuku. Neorealistički Night and Fog u Japanu (1960)- naslov koji je namjerno dizajniran kao omaž dokumentarcu o Aušvicu Alain Renesansa-predstavlja očajničku optužnicu nejedinstva Japanske ljevice, i onoga što je Oshima vidio kao izdaju revolucionarne akcije od strane Japanske komunističke partije. Film, koji se sastoji od svega 43 kadra, povučen je od strane studija tri dana nakon objavljivanja, što ga je natjeralo da radi kao nezavisan režiser i da osnuje svoju sopstvenu producentsku kompaniju, Sozosha, sa glumicom Akikom Koyamom, koju je i oženio 1960-te godine.

    The Catch (1961), Oshimin prvi nezavisni film, popločao je put u mnogome onome što je slijedilo u njegovoj brizi o rasizmu i brutalnosti, bilo da su isti institucionalni ili lični. Sniman u dugačkim scenama sa minimalnim pokretima kamere, priča divlju priču o Afro-američkom zatvoreniku u ratu koji je držan kao talac u malom selu.Čekajući vojnu policiju da uklone njihov „ulov" seljani prave čovjeka žrtvenim jarcem za sve njihove probleme, ubivši ga na kraju.

    Oshimin sledeći bitni film je Violence at Noon (1966), namjerno mračna studija seksualnog kriminala. Ovaj film je jako rijetko gledan, što je posledica pravnog neslaganja oko distribucije ovog filma u inostranstvu. Kao kontrast filmu „The Catch" napravljen je u CinemaScope-u i bio je mahnito isječen (sadrži preko 2,000 kadrova). Neobični film „Tales of the Ninja" (1967) je takođe karakterističan po ubrzanom sječenju kadrova i u potpunosti je napravljen od scena iz nasilnog i erotičnog manga stripa.

    Death by Hanging (1968) film koji je zaprepašćujući,pun bijesa i crnog humora,govori o inteligentnom mladom Koreancu,koji biva obješen zbog silovanja i ubistva dvije japanske djevojke,dok njegovo tijelo odbija da umre.Počinje kao dokumentarac o smrtnoj kazni,koji postaje sve više i više nerealan tokom potrage za argumentima u sedam Brechtian poglavlja.Glavna tema koja se javlja jeste sramotno ophođenje Japanaca ka koreanskoj manjini,što je i činjenica koja je od kranje važnosti za razumijevanje samog filma.

    Odmah nakon studentske pobune iz 1968.godine,izlazi film Diary of a Shinjuku Thief,eksplozivni agit-prop film koji izjednačuje seksualno oslobođenje sa revolucijom,čiji se uticaj samo marginalno smanjio.Koristeći crno-bijelu tehniku sa umetanjem boje i mješajući realističnu i teatralnu glumu sa cinéma vérité tehnikama,fim prikazuje mladog studenta koji je uhvaćen u krađi u knjižari od strane djevojke koja se pretvara da tu radi kao pomoćnica,sa kojom on kasnije započinje seksualno neispunjenu aferu.Nakon traženja savjeta o seksu,konačno pronalaze ekstazu tokom izbijanja ulične pobune.

    In the realm of the senses

    Three Resurrected Drunkards (1968) bukvalno ponovo počinje po sredini filma.Ovo može kod publike koja ne zna o čemu se radi,da izazove pobunu,misleći da je projekcionista slučajno ponovo pustio film od početka.

    Taj zastareli kuriozitet praćen je filmom Boy (1969),jednom od Oshiminih najpristupačnijih i jednom od rijetkih ''završenih'' filmova,inspirisan je istinitom pričom-u ovom slučaju pričom o desetogodišnjaku, kojeg su roditelji učili da se baca pod auta kako bi mogli da traže novac od preplašenih vozača, nakon čega bi se preselili u sledeći grad. Priča je ispričana sa izvanrednim društvenim i psihološkim uvidom, dok su izvođenje, boja i CinemaScope prikaz izvedeni na majstorski način.

    The Ceremony (1971) je bio Oshimin najambiciozniji film do tada: ne manje od istorije Japana od kraja Drugog svjetskog rata do danas, koji predstavlja velika i uticajna porodica. Svaki dio je obilježen posebnom ceremonijom kao što je proslava godišnjice, vjenčanje ili sahrana, koji otkrivaju Oshimin duboko ambivalentan stav ka japanskom društvu."Ceremonije predstavljaju vrijeme tokom kojeg se otkrivaju posebne karakteristike japanskog duha". To je duh koji me se tiče i zabrinjava." - objašnjava Oshima.

    Empire of Passion (1978), manje seksualno eksplicitan komad srodan filmu In the Realm of the Senses, jeste priča o duhovima sa „amour fou" u svom centru. U selu tokom 1985-e godine, starog vozača rikše ubija njegova žena i njen mladi ljubavnik. Tri godine kasnije, pojavljuje se duh starog čovjeka, ponovo budeći njihov osjećaj krivice, što na kraju vodi do otkrivanja njihovog zločina. Iako je film Oshimi donio nagradu za najboljeg reditelja u Kanu, činilo se da ga sa jedne strane zanimaju osjećanja publike tokom filma,a sa druge strane da ga zanima uspješnost filma na blagajnama. Činilo se da je društvena osuda i složenost njegovih filmova isparila.

    Oshimin jedini film na engleskom jeziku jeste Merry Christmas, Mr Lawrence (1983), zasnovan na romanu Laurensa van der Posta čija se radnja odvija u japanskom zatvoreničkom kampu. Film pokušava da objasni da je uprkos ratnim zločinima postojao veliki broj vojnika koji su bili plemeniti i nježni. Glavna tema leži u homoerotskom odnosu između zatvorenika (David Bowie) i zapovjednika u kampu (Ryuichi Sakamoto), iako su glumci – obojica pop zvijezde – pružili ukočeno izvođenje.

    Sjenka Luis Buñuel pada na francuski film Max, Mon Amour (1986),koji govori o britanskom diplomati u Parizu koji otkriva da je njegova dokona žena (Charlotte Rampling) iznajmila stan u kojem posjećuje svog ljubavnika Maxa, šimpanzu. Ova razumno duhovita crna komedija je doživjela mali uspjeh, nakon čega je Oshima odustao od režije kako bi postao popularni voditelj u talk show-a na japanskoj televiziji. Nekoliko godina je pokušavao da snimi Hollywood Zen, njegov scenario o Sessue Hayakawa, japanskom glumcu koji je postao holivudska zvijezda tokom ere nijemog filma. Tokom 1999, vratio se u formu sa filmom Gohatto (Taboo), visoko stilizovani i indirektni film o samurajima i o njihovim homoseksualnim strastima u predivnom mladom mačevaocu koja su probuđena u veoma ograničenom društvu. To je ujedno i njegov poslednji film, nakon kog je doživio seriju moždanih udara.

    Nadživjela ga je Koyama, koja se pojavljuje u nekoliko njegovih filmova.

    Nagisa Oshima, filmski reditelj, rođen 31.marta 1932; umro 15.januara 2013

    Ronald Bergan
    preveli:
    Jasmina Kaljić
    Stevan Milivojević

     



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         Redakcija     


     

     

     

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         Retrospektiva     

    Il progetto Montenegro film commission (seconda parte)

    Perché il Montenegro Film Commission?

    Il più piccolo stato della penisola balcanica che comprende soli 13.812km2, il Montenegro con i suoi 672.180 abitanti, indipendente appena dal 2006 è uno spazio unico che ha molto da offrire all'industria cinematografica e televisiva. Paese di fantastiche ricchezze naturali, molto interessante dal punto di vista artistico, dotato di una rara »virtù« del piccolo spazio in grado di fungere da studio cinematografico all'aperto e capace di ridurre notevolmente i budget delle »runway productions«.

    Da sempre attraente agli occhi dei turisti e di moltissimi operatori cinematografici, per anni addietro »regalava« il proprio territorio sia alle produzioni della regione sia alle rare produzioni estere, che rappresentavano il suo spazio come spazio altrui, a seconda del racconto cinematografico.

    Purtroppo, per via dell'economia e della politica culturale non invidiabili, non poteva sfruttare a pieno le sue potenzialità territoriali, contribuire alla propria economia né presentare al mondo il suo spazio, la sua cultura e i suoi costumi.

    L'idea della fondazione, ovvero dell'introduzione dello strumento di Film Commission basandosi su esperienze straniere, è nata come conseguenza di una pluriennale stagnazione e negligenza per la Cinematografia nazionale in quanto rappresentante migliore della cultura di un paese; come conseguenza della mancanza di strutture organizzative, nonché di strumenti per la stimolazione del lavoro e dello sviluppo dell'attività visuale; come conseguenza dell'incapacità di presentare il proprio territorio all'industria audiovisiva europea e mondiale, e infine come conseguenza dell'incapacità di generare benefici economici e contributi all'attività principale – turismo.

    Ritenendo che l'istituzione di una struttura organizzata, che nel Montenegro dovrebbe fungere da centro cinematografico e da collegamento con l'industria cinematografica europea e mondiale tramite l'adesione all'Associazione Internazionale delle Film Commision, potrebbe contribuire in modo significativo al miglioramento del rapporto della politica culturale dello stato nei confronti della cinematografia, motivare individui e gruppi di professionisti a creare nuovi mestieri e strutture indispensabili all'industria cinematografica, contribuire alla prosperità economica sia per quanto riguarda le risorse statali destinate alla cinematografia, sia per quanto riguarda i professionisti che operano sul territorio montenegrino, e inoltre aiutare ad attirare molti turisti, ho cercato di spiegare i motivi dello stato attuale nella cinematografia montenegrina e di argomentare la necessità di fondare la struttura organizzativa »Montenegro Film Commission«


    Cinematografia jugoslava

    Se ci sarà la guerra ci saranno anche dei film!

    Lo stato degli "Slavi del Sud" nasce alla conclusione della prima guerra mondiale, nel 1918, come Regno dei Serbi, dei Croati e degli Sloveni, subito denominato Regno di Jugoslavia (ufficialmente dal 1929). Durante la seconda guerra mondiale subì l'occupazione delle forze dell'Asse e un nuovo smembramento: Hitler vi creò nel 1941 il regno di Croazia, stato fantoccio che comprendeva anche la Bosnia-Erzegovina, mentre la Serbia e le altre regioni jugoslave erano amministrate direttamente dalla Germania e dai suoi alleati. Dopo la liberazione e la riunificazione del 1945, fu fondata nel 1946 la Repubblica Federale di Jugoslavia che comprendeva sei repubbliche federate: Serbia, Croazia, Slovenia, Bosnia-Erzegovina, Montenegro e Macedonia. Nel 1991, dopo 45 anni di apparente concordia, la federazione rapidamente si è sfaldata dando luogo a sanguinosi conflitti etnici. Ridotta a due soli membri federati (Serbia e il Montenegro sempre più indipendenti l'uno dall'altro), dopo aver cambiato anche il nome in "Serbia e Montenegro" nel 2003, la Jugoslavia è definitivamente scomparsa il 3 giugno 2006, con la dichiarazione di indipendenza del Montenegro. Erede morale: la Serbia. L'eccezionale, oggi quasi irreale e lontano successo della cinematografia jugoslava, era necessariamente legato alla stessa persona del defunto maresciallo Josip Broz Tito.

    Grande cinefilo, era di larga mano quando si trattava di mezzi finanziari da offrire a sempre poveri lavoratori cinematografici. E' chiaro che sia lui sia l'ideologia a cui si era dedicato hanno avuto grandi vantaggi dall'industria cinematografica, però si pone la domanda se è possibile separare la cinematografia e i suoi finanziamenti dalla politica in qualunque paese del mondo? La cinematografia jugoslava e il giovane stato jugoslavo socialista sono nati e sono cresciuti insieme, fino alla (in)naturale fine di entrambi.

    Oggi, quando pensiamo a quei tempi, sembra che siamo arrivati in ritardo a un bel divertimento, come l'intera mia generazione è in ritardo alla vita in Jugoslavia. Il periodo della creazione della cinematografia jugoslava era nello stesso tempo divertente e serio, entusiasmante e restrittivo, ed è scomparso anche prima della nuova guerra del 1991, con la scomparsa del regista principale Josip Broz Tito nel 1980.

    Lo illustra nel modo migliore il film documentario "Cinema Komunisto" (2010) di Mila Turajlić, che studia la nascita dell'"Hollywood Orientale" jugoslavo – l'età d'oro e la rovina della Cinecittà di Belgrado e il modo in cui l'amore di Tito per il cinema e la sua diretta partecipazione hanno creato la storia della Jugoslavia sullo schermo cinematografico. Il "Cinema Komunisto" studia il mito della Jugoslavia e le persone che hanno creato la sua finzione. Parla del ruolo delle persone che avevano il compito di creare la narrativa cinematografica sul paese che poteva anch'esso essere fittizio.

    Direttamente ispirato alla propaganda sovietica, allora molto efficacie, il giovane governo comunista nella Jugoslavia inizialmente desiderava, come in tutti gli altri segmenti di vita, implementare anche da noi la ricetta già collaudata. Tuttavia, dopo la scissione con SSSR, esso si volge completamente all'Occidente e all'influenza di Hollywood che raggiunge pienamente la Jugoslavia.

    Il genere tipico che prevale nella cinematografia jugoslava è il film partigiano.

    "Film partigiano" indica un (sotto)genere specifico di film di guerra che si è sviluppato nella Jugoslavia socialista. Lo caratterizzavano la trama situata nella Jugoslavia della Seconda guerra mondiale, cioè mostrava le attività di partigiani, e così ha avuto il suo nome colloquiale. Inizialmente pensato come mezzo di propaganda del regime attuale (celebrato e giustificato ricordando al pubblico le circostanze drammatiche del suo avvento al potere) col tempo, grazie all'allentamento della censura e alla maggiore esposizione all'influenza dell'Hollywood e altre cinematografie internazionali, il film partigiano ha ricevuto contenuti più commerciali. Insistendo sempre meno sulla cruda propaganda ideologica, e di più sull'azione e sullo humor, ha sviluppato la propria iconografia e delle "regole" informali come il western americano e il jidaigeki giapponese.

    Tutti i film partigiani dovevano mostrare e dimostrare lo stesso modello – che il paese è stato creato nel sangue in una lotta comune di tutti i popoli e nazionalità.

    Questa partecipazione jugoslava di tutti i popoli nella lotta del Movimento di Liberazione Nazionale veniva sottolineata attraverso la scelta degli attori. In pratica non esiste un film partigiano con un casting mono-nazionale. I partigiani cinematografici più famosi sono Velimir Bata Živojinović (Serbo) e Boris Dvornik (Dalmata- Croato), che attraverso la loro recitazione dovevano confermare il principale moto del regime "la fratellanza e l'unità sono state create nella guerra". Per questo non è tanto strano che questi due attori nella "vita reale" all'inizio degli anni '90 quando è iniziata la sanguinosa dissoluzione della Jugoslavia, siano diventati nemici più cari, scegliendo ognuno il proprio lato della storia dal regime. Živoinović si è avvicinato a Milošević e Dvornik a Tuđman. Attraverso il loro conflitto si rifrangeva la storia jugoslava contemporanea. Però, nei film, loro due hanno ucciso più tedeschi e loro collaboratori di quanti ne sono stati uccisi nella Seconda guerra mondiale sul territorio jugoslavo.

     


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         Uvod/Editorial     


     

    maja

    "Film nije prikaz stvarnosti, već stvarnost prikaza"

    Jean-Luc Godard

    U 11. broju Camere Lucide, čitaćete, u Ronald Berganovom tekstu To nije zemlja za starce, o načinima (pod)reprezentacije starijih osoba na filmu, kroz umjetnički vremeplov od Rembrandta, Michelangela, Šekspira. W.B. Jejtsa ili T.S Eliota, do Murnaua, Ozua, de Sice, Bergmana, Kurosave, ili skorijih filmova kao što su briljantni Sokurov Alexandra i Hanekeov Oskarom nominovani Ljubav. A ako ste se ikada zapitali šta da radite dok sjedite u bioskopu i gledate loš film koji biste najradje napustili (ili jednostavno "promijenili kanal" kad bi to bilo moguće), otkrićete razne načine izlaska iz loše umjetnosti u Ronald Berganovom duhovitom i inspirativnom tekstu Izlazne strategije.

    U novom provokativnom tekstu, Merima Omeragić kritički analizira dirljivi dokumentarni film Dane Budisavljević, Nije ti život pjesma Havaja, sa posebnim osvrtom na kompleksne porodične odnose, nenormativnu seksualnost i posljedične procese detabuizacije i političke transformacije, kroz individualne mehanizme prećutanog i rečenog. Tekst Vuka Vukovića Produkciona analiza savremene kinematografije u Crnoj Gori fokusiran je na temeljnu i detaljnu analizu kinematografskog stanja stvari u Crnoj Gori.

    U Retrospectives, Ronald Bergan odaje počast rijetkom režiseru holivudskog studija koji je ostavio jedinstven pečat na sve što je stvorio, maestru MGM mjuzikla i njihovog "svijeta fantazije, sjajnih boja, modernog dekora i kostima" – Vincente Minnelliju.

    U intervjuu sa Jean-Marc Barrom, Nevena Matović razgovara o njegovoj glumačkoj i režiserskoj karijeri, njegovim pogledima na umjetnost, Evropu, Jugoslaviju, Holivud, subverzivni film i mnoge druge stvari.

    Sekcija Festivali povezaće vas sa najnovijim izdanjima Piranskog Filmskog Festivala, putem Fedeore i kritike nagradjenog filma Djeca u režiji Aide Begić, koju potpisuje Maja Bogojević, i Torino Filmskog Festivala, u festivalskom prikazu Ivane Mrvaljević.

    U ostalim segmentima, čitaćete nastavak i posljednji dio inspirativne magistarske teze Ivane Mrvaljević, u kojoj istražuje različite modele Film Commissiona u Crnoj Gori, kao i sjajan studentski rad, u Mala Educacion, Anite Erak o filmu Dvostruki život Veronike i mogućnostima ženskog subjektiviteta u patrijarhalnom društvu.

    In Memoriam odaje počast velikim filmskim autorima, Nagisi Oshimi i Krstu Papiću.

    Uživajte u 11. broju Camere Lucide.

    Maja Bogojević

     



    "Film is not the reflection of the reality, it is the reality of reflection"

    Jean-Luc Godard

    In Camera Lucida's no 11, you will read, in Ronald Bergan's text That is no country for old men, about how old age is (mis)represented in cinema, through the arts time voyage from Rembrandt, Michelangelo, Shakespeare, W. B. Yates or T.S Eliot, to Murnau, Ozu, De Sica, Bergman, Kurosawa, to more recent Sokurov's brilliant Alexandra and Haneke's Oscar nominated Amour. And if you ever wonder what happens when you are sitting in a cinema during a bad film you would like to leave (or wish you could "switch channels" if only possible), you will discover various ways of exit from bad art in Ronald Bergan's witty and illuminating Exit Strategies.

    In her new thought-provoking text, Merima Omeragic discusses Dana Budisavljevic' touching documentary film Nije ti život pjesma Havaja, with its portrayal of complex family issues, non-normative sexuality and its ensuing processes of detabooisation and political transformation, through individual mechanisms of silencing and speaking out. Vuk Vukovic' Produkciona analiza savremene kinematografije u Crnoj Gori is focused on the thorough and detailed analysis of the state of (non)affairs in Montenegro's filmic culture.

    In Retrospectives, Ronald Bergan pays homage to the rare studio director who left his unique stamp on everything he did, the master of MGM musicals and their "world of fantasy, brilliant colours, stylish décors and costumes" – Vincente Minnelli.

    Nevena Matovic interviews Jean-Marc Barr and discusses with him his acting and directorial career, his attitude towards arts, Europe, Yugoslavia, Hollywood, subversive cinema and much more...

    The Festivals section will link you to the latest editions of Piran Film Festival, through Fedeora and Maja Bogojevic's review of Aida Begic's awarded film Djeca and to Torino Film Festival, through Ivana Mrvaljevic's festival overview.

    While Ivana Mrvaljevic explores insightfully Film commission models in Montenegro, in the second and last part of her M.A. thesis on Montenegro Film Commission, Mala educacion presents Anita Erak's extraordinary student essay on Double vie de Veronique, in which she tackles the possibilities of female subjectivity in the patriarchal world.

    In Memoriam pays tribute to the great authors Nagisa Oshima and Krsto Papic.

    Enjoy Camera Lucida's no 11!

     

    Maja Bogojevic

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